Como pode o Cornélius, né?

Confesso que tem poucas coisas na música que não me atraem, e quando elas ainda não me atraíram, é provável que em algum momento eu enxergue o valor e comece a ouvir mais.
É o caso do hard rock cabeludo brasileiro dos anos 1970 e 1980 (e mesmo as bandas internacionais na mesma pegada). O tropicalismo segue sendo uma das minhas coisas preferidas do mundo; o BRock, em menor intensidade, também. Mas do recheio deles, curto Secos & Molhados (MUITO) e olhe lá.
Porém tem algo crescendo aqui. Uma pessoa, particularmente. E o nome dele é Cornélius.

Chamado Cornélio de Aguiar Neto, Cornélius acabou conhecido como Cornélius Lúcifer quando assumiu os vocais da Made in Brazil, banda longeva daqui, que começou lá em 1969 e, inspirada no glam rock de fora, começou a se maquiar no palco (diga-se de passagem, antes do Secos & Molhados).
Apesar de Cornélius volte e meia ter se apresentado com o Made in Brazil antes de morrer em 2013, só existe um disco da banda com seus vocais: é o disco da banana, de 1974 (é conhecido por esse codinome porque o disco tem uma bananinha estampada na capa).

A voz de Cornélius realmente chama a atenção, bem na escola hard rock, rasgada e com agudos. Ele mesmo já disse que, como os equipamentos eram ruins, gritava e nem sabia se cantava direito porque não se ouvia. A grande maioria das músicas desse primeiro disco é composta por Oswaldo Vecchione, baixista e um dos membros fundadores ao lado do irmão guitarrista Celso Vecchione.

“A gente vive desafiando padrões. Quando a gente não está satisfeito com o padrão vigente, a gente sempre desafia.”

— Cornélius em entrevista para o programa de rádio “Noites Futuristas” em 1988

Aí já chama a atenção uma história muito boa. Diz que Quando a Primavera Chegar, música dos irmãos Celso e Oswaldo que foi gravada no disco seguinte já sem a participação de Cornélius (substituído por Percy Weiss), já era apresentada em shows antes (com Cornélius). Mas a letra não era assim. Em vez de “tomar um sorvete”, ela provocava um pouco mais com “chupar um sorvete”. Ouça a versão já censurada do disco Jack O Estripador de 1976:

Ouviu?
Esse medo, esse receio, esse desejo de chupar (disfarçado aqui em tomar)…
Recado dado, né?

Enquanto o Made in Brazil lançava Jack o Estripador, Cornélius seguiu a vida e deu um tempo do rock com Santa Fé, um álbum solo lançado em 1976 cuja capa ainda trazia uma imagem andrógina. Ele mesmo passou a assinar como Cornélius Santa Fé - dando a impressão que queria deixar o demônio roqueiro para trás, tanto no nome artístico como na música, mais para MPB romântica e para funks nervosos. Ele já declarou em entrevistas posteriores que estava numas de desenvolver a espiritualidade. E uma das canções simplesmente se chama Você Jamais Irá Pro Céu! Ainda assim, rolam uns vocais rasgados, uns solos…

A coisa aqui começa a ficar mais suingada, mais dançante. O soul à Roberto Carlos e Tim Maia contaminou Cornélius, a ponto dele fazer uma música toda em inglês chamada Soul Tramp! É o início de uma mudança grande de carreira, em direção a algo que ainda estava surgindo na época mas que iria estourar.

Fala sério, olha esse look? AFFFF que ícone

E aí, em 1978, a febre disco music chegou. Cornélius foi um dos que entraram de cabeça. Injustamente, depois ele chamou isso de “prostituição”, renegando essa fase de sua carreira.

Eu Perdi Seu Amor virou hit de programa de auditório e tudo. Um dos compositores é Paulinho Camargo e, para mim, Eu Perdi Seu Amor faz parte da trilogia de hits discoteca dele ao lado de A Noite Vai Chegar de Lady Zu e Amor Bandido de Sarah Regina. Todas perfeitas.
Quanto à capa do single, bem, quem vem ao glam não degenera. É como se fosse um desenvolvimento da capa de Santa Fé, o mesmo biquinho, o chapéu pintoso, mas agora com muito brilho!
Acontece que Cornélius não chegou a lançar um disco inteiro de disco music. O que rolou foi um EP, com as mesmas músicas desse single mais Fugindo de Mim (de Paulinho com Dalila Camargo) e Se Você Quiser Transar Comigo (de Hébano).

(Já deu para perceber que Cornélius SERVIA nas capas, né?)

Ainda houve uma última tentativa de emplacar em mais um single no ano seguinte, dessa vez com Paulinho Camargo se unindo ao dream team Lincoln Olivetti e Robson Jorge para compor a música Enquanto Houver Amor. Menos disco, mais funk cheio de groove. E quer saber? É bom demais.

O que aconteceu para não acontecer? A voz era ambígua demais e já bastava um Ney? Não teve investimento de divulgação? Mistérios do pop.

Deixa, a faixa do outro lado desse single de 1979 e de composição de Frankye Arduini (da incrível dupla Tony & Frankye), entrou para a coletânea Disco É Cultura de 2020 da Mad About Records, que há pouco tempo estava no Spotify (e é ÓTIMA) e sumiu. Talvez porque era pirata. Rsrsrsrs!

Cornélius nunca mais teve um registro próprio em disco depois de 1979. Como já disse, ele participava de show da Made in Brazil esporadicamente. Cornélio quis “assassinar” o Cornélius, após se “prostituir” na disco music (e ganhar muito dinheiro com isso, como reconhecia), porém não emplacou uma “nova era” antes de morrer.

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Cantoras pop... da Marvel. Isso mesmo.

Se você não foi uma criança nerd como eu que era viciada em quadrinhos, talvez você não conheça algumas personagens que infelizmente ainda não ganharam uma versão cinematográfica - ou pelo menos, não num filme que todo mundo tenha visto (você vai entender daqui a pouco).

A minha cantora pop da Marvel preferida (e acho que a preferida de toda criança viada nerd que era viciada em quadrinhos) se chamava Cristal, em inglês Dazzler, e tinha um poder (meio idiota, vai) que transformava som em luz. Fora o fato de que ela apareceu pela primeira vez durante A Saga da Fênix Negra (um marco que todo fã de X-Men conhece e ama), Cristal tinha o melhor make, o melhor look, cantava de PATINS… Ela é uma superstar, não tem o que discutir!

E Cristal na verdade era parte de um plano maior: a Marvel queria lançar um disco com a Casablanca Records (pense em Donna Summer e Village People) e um filme. A personagem apareceu pela primeira vez em 1979 na edição 130 de X-Men, e ela era inicialmente uma cantora de disco music.

Quem acompanha ou já acompanhou X-Men sabe que, no fundo, a história é uma novela rocambolesca de décadas no que há de melhor e pior nisso. Com Alison Blaire, o nome real de Dazzler, não é diferente. É no nível descobrir que fulana não morreu e na verdade é a sua mãe só que vinda do futuro; de repente o vilão bate a cabeça, sofre amnésia e se apaixona pela mocinha; e sabe aquele cara que você sempre pensou que era seu irmão? Na verdade é seu avô. E por aí vai… Por isso, não vale muito a pena colocar toda a história da Dazzler aqui, mesmo porque eu não acompanhei inteira (faz tempo que não leio quadrinhos). O que acho importante é que, à parte de toda a história cheia de meandros como todas as outras, Cristal tem fãs nos quadrinhos (tipo o Colossus, Kitty Pryde e o vilão Juggernaut, que já se recusou a lutar contra ela pois gostava muito do seu trabalho…), já teve um relacionamento com o Longshot (um super-herói loiro de mullet) e teve um filho com ele (que vem a ser o Shatterstar, desde 2009 um herói fora do armário que tem um relacionamento com Rictor). O contexto no qual essa gravidez aconteceu é complicado (e problemático & questionável!!!) demais para eu explicar aqui, tá, então fiquemos nisso mesmo… Risos!

A ideia com a Casablanca é que Dazzler também ganharia um filme, ainda nos anos 1980. E a coisa estava até meio avançada: a atriz Bo Derek foi escolhida para protagonizar e tudo. Aí existem duas versões. Segundo Bo…

Ha! Can’t remember what the Bitter Battle was all about but I do remember this was Paris and we’d just left a meeting with Marvel Comics about playing Dazzler. In all my wisdom I turned it down. My husband has a stack of comic books in his hand. #flashbackfriday @marvel @people pic.twitter.com/PlFEAiWJaZ

— Bo Derek (@boderek) March 22, 2019

Mas segundo Jim Shooter, o editor-chefe da Marvel na época, Bo aceitou sim. Só que ela insistiu que seu marido, John Derek, dirigisse o longa, e a ideia acabou naufragando.
O Ricardo Schott falou mais da Dazzler no site Pop Fantasma, na época que surgiu uma história que a personagem ia ganhar uma série animada própria com a personagem Tigra.

Fun fact: Pouco depois da ideia do filme com a Dazzler naufragar em 1980, a história foi… para os quadrinhos. Em 1984, a personagem Alison Blaire é convencida a fazer uma cinebiografia sobre ela mesma chamada Dazzler: The Movie. Mas, como a gente sabe, o mundo não é um mar de rosas para os mutantes: o sentimento antimutante faz o filme ser destruído e a carreira de Alison afundar.
(Tô falando que é uma novela!)

Bom, aí aconteceu aquele filme que ninguém viu em 2019: X-Men: Dark Phoenix, a definição de HOT MESS.
Caso você não tenha visto (acho bem provável), sabe quem aparece lá?

Tá passada?
A música composta pela banda Odessa e com a voz da cantora BANKS parece boa, mas nunca apareceu em versão integral.
Como os fãs são mais rápidos que a indústria fonográfica, já apareceram diversas versões feitas por eles, desenvolvidas a partir desse trechinho do filme. Risos!

Em X-Men: Dark Phoenix, Dazzler foi interpretada pela atriz Halston Sage. Existe um rumor de que era para Dazzler ter estreado nas telonas em 2016 numa participação especial no filme X-Men: Apocalypse e ela seria interpretada por ninguém menos que Taylor Swift. A produção sempre negou, apesar dessa foto aqui existir:

Taylor, Simon Kinberg (roteirista da franquia X-Men e diretor de X-Men: Dark Phoenix), James McAvoy e Sophie Turner

Kinberg depois disse que era tudo bobagem, que essa foto foi tirada no backstage do show de Taylor Swift em Montreal (a cidade onde X-Men: Apocalypse estava sendo filmado na época).
Te parece um backstage? Hum. OK, then.
Só que Sophie Turner, a atriz que fez Jean Grey (ou seja, a Fênix Negra em si) ajudou a colocar lenha nessa fogueira. Ela usou uma imagem de uma cena deletada de X-Men: Apocalypse num tweet:

Esse “pré-1989” (lembra do disco da Taylor Swift 1989, que também é a data de nascimento dela?) deixou todo mundo em polvorosa.
Só que a imagem é um meme - não é esse disco que Scott Summers (interpretado por Tye Sheridan) segura nela.
E, bem, a cena original é bem mais legal (sim, agora eu vi como o Boy George e a Sophie Turner são parecidos e nunca mais conseguirei desver).

Nos quadrinhos, Cristal nunca cantou Hands on Me. Mas já cantou outras!

Essa de cima é A Little Girl’s Dream. Ainda tem Hush Now Baby e The Serpent is Coming, que parecem ÓTIMAS, e uma versão de Beautiful Dreamer que é originalmente de 1864 (!!!) e já foi regravada por diversas pessoas, como Roy Orbison e Bing Crosby.

Bom, agora é hora de revelar porque o título desse post está no plural.

Em 1991, surgiu uma outra cantora pop no universo dos quadrinhos da Marvel. Estou falando da Nightcat.

A Nightcat de fato conseguiu ser lançada em disco, pela gravadora LMR (Lefrak-Moelis Records). E a companhia não era tão fraca e obscura quanto pode parecer: foi a responsável pelo grande hit de Stevie B, Because I Love You, que chegou a fazer um sucesso bom mais ou menos na mesma época de Nightcat. E também cuidou da Jaya, uma cantora filipina, no começo da carreira dela (dela, ouça If You Leave Me Now, a primeira música de uma artista filipina a aparecer no Hot 100 da Billboard em 44º lugar em 1989).

Jacqueline Tavarez, que deu “vida” e voz para a Nightcat, não era famosa na época. E também não chegou a ser depois - participou do filme Tromeo and Juliet de 1996, uma paródia de Romeu e Julieta, e depois… sumiu. Aparentemente, ela chegou a enveredar por uma carreira na indústria pornô com o codinome Jacqueline Love durante um tempo, mas nada é confirmado oficialmente (os rumores, no entanto, são numerosos).

Provavelmente não ajudou para a carreira de Jacqueline o fato dos quadrinhos e do disco lançado terem flopado. Nightcat tinha um título só para ela! Chique. Porém não durou.

O CD da Nightcat virou um artigo raro, mas dá para achá-lo completo no YouTube.

E aí a gente tem a Lila Cheney como bela representante da música pop britânica. Hahahahahaha!

Na minha cabeça, mas talvez só na minha cabeça, Lila é uma coisa meio Chrissie Hynde, meio Joan Jett. Ou, talvez, Pat Benatar? Ou seja: é a melhor chance de Miley Cyrus entrar no MCU (Universo Cinematográfico da Marvel) hahahahaha
Ela apareceu pela primeira vez nos quadrinhos da Marvel em história dos Novos Mutantes, em 1984.

Galera curte tanto a Lila Cheney que fez um vídeo de fã (!!) com ela cantando e tudo, e participação especial da Cristal no backing vocal e dos Novos Mutantes na plateia.
Nessa fanfic em forma de clipe, ela dá uma paquerada com o personagem Cannonball, referência ao fato deles já terem sido um casal (e separaram, e se uniram de novo, e por aí vai) nos quadrinhos.

A música é boa, né??
Dois anos antes, a mesma turma fez um outro vídeo com a Cristal em si como protagonista, dessa vez com participação de Longshot na plateia (e a música também é fofa)!

Existe também uma versão de Cristal da série animada do X-Men. Mas sinceramente? Acho fraquinha.

Nos quadrinhos, Lila Cheney chegou a contratar Alison Blaire para sua banda. Elas eram (são?) tipo amigues.

Dizer quem é a minha preferida é difícil: esse tema “cantoras fictícias” é a minha cara. Adoro cada uma por motivos diferentes. Mas não dá para negar que Cristal ocupa um lugar especial no meu coração por ter aparecido na saga da Fênix Negra. É um cristalzinho do pop (trocadilho infame intencional, sim).

(E você reparou que esse make da Cristal é bem parecido com outro, de uma outra cantora pop que só existe em desenho?
Sim, estou falando de Jem e as Hologramas. MAS PORÉM Jem apareceu com aquele make em pink em 1985. Portanto… Cristal veio primeiro. Sorry, Jem girl, te adoro mas você copiou!)

Como eu não quero nerd me xingando por aí, primeiro deixo claro: Rick Jones não está incluído aqui porque só estou falando de cantoras.
Mas, como só estou falando de cantoras, também não poderia deixar de falar dela - que, aliás, podia participar do MCU também, hein? The one and only… Monica Lynne!

Monica apareceu antes de Cristal e de Lila Cheney, em 1970 numa edição de Os Vingadores, e acabou virando o primeiro par romântico do Pantera Negra. Para tanto e pelo que a HQ dá a entender, ela abandonou a carreira de cantora para ir com T’Challa para Wakanda. Eles ficaram noivos, mas depois T’Challa rompeu o noivado.

(Existe uma cantora de verdade chamada Monica Lynne Chase. Não há relação entre elas.)

Eventualmente, Monica voltou a cantar. Foi numa revista de 2006 e ela estava curtindo a maior dor de cotovelo, esquema Marília Mendonça. Sabe por quê? Bem: T’Challa ficou noivo de ninguém menor que Ororo Munroe, a Tempestade dos X-Men, nessa época.

Monica morreu numa revista de 2018, vítima de câncer.
(Porém, como na Marvel tudo pode acontecer, quem sabe um dia ela não renasce, ressuscita, aparece em uma versão do passado ou de um universo paralelo…)

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A Taste of Honey: quando duas mulheres negras tomam a frente

Imagine que você está no ano de 1978. A disco music bombando, mas sendo considerada por muitos como algo supercomercial, frívolo.
E aí aparecem no palco duas mulheres negras, uma empunhando uma guitarra e outra segurando um baixo. E elas tocam disco music. E tocam de verdade. Esse era o A Taste of Honey!

A real é que A Taste of Honey surgiu bem antes, lá em 1972. A baixista Janice-Marie Johnson nem foi uma das fundadoras. Mas aí os membros começaram a sair e ela e Perry Kibble, o tecladista, sobraram. Eles decidiram manter o nome e chamaram, entre outros, a guitarrista Hazel Payne.

Me parece que o grupo sabia do poder da imagem: duas mulheres negras que não apenas cantam, mas também tocam instrumentos, certamente atrairiam olhares. Bom, claro que isso não bastava. Eles corriam o mundo, tocando em diversos lugares. E diz a lenda que foi num desses lugares, diante de uma plateia apática que não se levantava para dançar, que Janice-Marie teve a ideia de Boogie Oogie Oogie: “If you're thinkin' you're too cool to boogie / Boy oh boy have I got news for you…”
Surgia um dos maiores sucessos da disco music. Ele foi o primeiro single lançado, chegou ao topo do Hot 100 da Billboard e vendeu nada menos que dois milhões de cópias na época.

Bom, se eu me deparasse com essa capa em uma loja de discos, eu não ia conseguir passar incólume sem comprar…

A Taste of Honey ainda levou o Grammy de Melhor Novo Artista em 1979. Só que infelizmente o pior aconteceu: com esse sucesso retumbante, A Taste of Honey nunca conseguiu se equiparar a Boogie Oogie Oogie e acabou reconhecida como banda de um sucesso só.

Mas a história real não é bem essa.

Para começo de conversa, a banda já fazia shows pelo mundo antes de gravar um disco. E um dos países no qual ela chamava bastante atenção era… o Japão. Vamos abrir parênteses para um capítulo que pouca gente conhece da história do pop mundial…

Sekai Kayōsai, o “Eurovision do oriente”

Também conhecido como Festival de Música Yamaha, por causa do patrocinador principal, o evento japonês durou entre 1970 e 1989 (sendo que o de 1988 foi cancelado por causa do estado de saúde do Imperador do Japão na época e o de 1989 aconteceu não mais como uma competição e sim como um concerto beneficente).
Agora, a parte legal: músicos do mundo todo participavam do Sekai Kayōsai. A primeira música que foi a grande ganhadora do festival, na edição de 1970, foi אני חולם על נעמי (Ani Cholem Al Naomi), da dupla Hedva & David de Israel. É TUDO.

Isso quer dizer que o festival era bem mais que o “Eurovision oriental”, como acabou conhecido. Virou um festival mundial com participação de muitos países de outros continentes (no mesmo ano de 1970, participaram Coreia do Sul, Japão, Chile, Singapura, Nova Zelândia, Emirados Árabes, Malásia, México, África do Sul, Bolívia, Vietnã, Filipinas, Hong Kong - alguns com mais de um concorrente na disputa!).
Claro que tudo isso pede um post exclusivo só para o Festival de Música da Yamaha um dia, né?
Virá, um dia, impávido que nem Muhammad Ali.

O que importa aqui é a edição de 1974.
Foi nela, quatro anos antes do lançamento de Boogie Oogie Oogie, que A Taste of Honey participou com Life (Don’t Have to Get You Down). É uma loucura! 1. Essa música virtualmente não existe, é considerada perdida 2. A banda ainda estava na sua formação original, sem Payne. Que coisa, né?
E quem foram os apresentadores do festival naquele ano? Kyu Sakamoto e Judy Ongg - eles assumiram esse lugar em 1974 (Sakamoto já tinha apresentado outras duas vezes, mas era a primeira de Ongg) e seguiram no posto até a morte de Sakamoto em 1985.
Reconhece o nome de Kyu Sakamoto?

Ah… Deveria.
Ele é o cantor da música japonesa mais famosa do mundo.

Até onde sei, Ue o Muite Arukō, de 1961, é a única música com letra em japonês a chegar no topo da parada Hot 100 da Billboard até hoje. E durante muito tempo, foi o único single de um artista amarelo a conseguir esse feito (até 2020, quando veio BTS e a sua Dynamite).
Mas a canção chegou ao topo com o nome de… Sukiyaki. Isso mesmo, Sukiyaki, o mesmo nome daquele ensopado com vegetais e carne. Não tem nada a ver com a música: o prato não é citado na letra. O nome incrivelmente idiota foi obra dos empresários ocidentais, que decidiram tornar a música mais identificável para o povo que não estava familiarizado com a língua japonesa. Poderia ser Yakisoba, Sushi, Tempura… Seja como for, deu certo: virou um fenômeno.

E por que falei tudo isso?
Fecha o parênteses…

Os outros hits de A Taste of Honey

Não chegou a ser número 1, mas foi número 3 do Hot 100 em 1981. Adivinha qual música o A Taste of Honey, já em formato de dupla apenas com Johnson e Payne, decidiram gravar depois do estouro de Boogie Oogie Oogie?
Sim, ela mesma. Sukiyaki.

Diz a lenda que Janice-Marie Johnson era vidrada na música desde pequena. Chegou a decorar foneticamente tudo para ficar cantando, mesmo sem saber o que aqueles sons significavam.
Não se sabe se Johnson chegou a encontrar Sakamoto no Japão naquele festival de 1974, mas em 1978, ela ouviu a versão de Linda Ronstadt para Ooh Baby Baby, originalmente de Smokey Robinson & The Miracles. Ah, então ela podia regravar um hit dos anos 1960 também, né?
Foi aí que Sukiyaki entrou na jogada. Johnson pediu uma tradução literal em inglês para Rokusuke Ei e depois a adaptou ela mesma.
Johnson e Payne eram babado - elas insistiram para que a música não fosse regravada em pegada dançante. Prefiriram um clima de balada. Também pegaram forte para trazer um sabor mais oriental para a faixa - o próprio produtor, George Duke, não botava fé mas cedeu pela vontade delas e chamou June Kuramoto para tocar koto, um instrumento de corda tradicional japonês. Tem uma cena maravilhosa que Johnson conta, do seu diálogo com Cecil Hale, o então vice-presidente da Capitol Records, na qual ele mostrou seu desprezo pela faixa dizendo “Absolutamente não! Gente negra não quer ouvir música japonesa”, no que ela respondeu “A última vez que olhei no espelho, era negra. E eu quero ouvir”.

Esse é um daqueles casos que a apropriação cultural toma contornos complexos. Dá para ver o profundo respeito que Janice-Marie Johnson tem pela cultura japonesa. De verdade. Ela estuda. Se aprofunda.
Ao mesmo tempo, Sukiyaki se transformou na música mais estereotipada (tanto quanto Merry Christmas Mr Lawrence do Ryuichi Sakamoto, sendo que as duas são lindas). E Payne tocando koto no palco, durante as apresentações, provavelmente fingindo em cima de uma base pré-gravada… Não dá, né?

Depois disso, uma música do quarto álbum, de 1982, entrou na parada Hot 100 em 41º lugar. I’ll Try Something New também era uma versão, dessa vez um cover do repertório do mesmo Smokey Robinson & The Miracles, lançada originalmente em 1962.

Payne saiu da dupla antes das gravações do quinto álbum serem finalizadas, fazendo com que o disco virasse um solo de Johnson. Ela virou atriz de teatro. As duas já chegaram a se reencontrar e se apresentar em revivais, mas ficou por aí mesmo. Só um gostinho de Taste of Honey… hein, hein? TUNDUNTSSS

Bom, para variar (eu falo isso de quase todo mundo que aparece aqui nos posts do blog), acho que A Taste of Honey merecia ser mais valorizado.
Mas sabe quem já regravou Boogie Oogie Oogie?

Amo! Esse é o segundo álbum solo da Fernanda Abreu, de 1992.

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"Não me deixe assim!" Quantas versões fazem um hit?

Você lembra qual versão de Don’t Leave me This Way foi a primeira que ouviu?
Certamente não foi a primeira a ser lançada. Isso porque essa primeira versão, de 1975, é a menos famosa de todas!

O mais interessante é que eu acho essa versão a mais delicada, climática. Ela está prontinha para uma trilha sonora. Como é que ninguém ainda se animou a hypar?
O vocal de Teddy Pendergrass é uma delícia e o instrumental do Blue Notes tem uma pegada que é disco music mas está mais para soul, quase um baladão com batidas. Pendergrass estava no grupo desde 1970. Parece que rolou uma treta em torno de dinheiro e ele saiu pouco tempo depois do lançamento de Don’t Leave Me This Way, que foi impulsionada por uma de suas versões mais famosas e chegou a figurar no top 10 dos EUA e do Reino Unido. Como eu comentei, mesmo assim ela é a versão mais desconhecida da música. Ficou apagada no tempo, injustamente.

A dupla de compositores Kenneth Gamble e Leon A. Huff, mais conhecida como Gamble & Huff e considerada grande responsável pelo Philly sound (o soul típico de Filadélfia), já tinha feito pelo menos um hit para Harold Melvin & The Blue Notes: If You Don’t Know Me By Now, que você provavelmente conhece. Dizem que essa foi composta originalmente para o Labelle - IMAGINA? Patti LaBelle acabou apresentando a música em shows na década de 1980 e, você sabe, Simply Red gravou a versão deles com muito sucesso em 1989.

Affff PATTIIIIIII!

Don’t Leave Me This Way também tem um letrista: Cary Gilbert. Com Gamble & Huff, ele também fez a letra de Me and Mrs Jones.

E, bem, a letra de Gilbert para Don’t Leave Me This Way pode significar várias coisas. Um amor desesperado. Um tesão descontrolado. Um abandono melancólico. Depende de quem interpreta.
Quem a interpretou depois de Pendergrass foi uma das cantoras mais injustiçadas pelo preconceito com a disco music: pode entrar, Thelma Houston!

Quando Thelma e Don’t Leave Me This Way se encontraram, ela já tinha ralado muito. O primeiro álbum dela, Sunshower, saiu em 1969 e contava com diversas músicas do hit maker Jimmy Webb, além de nada mais nada menos que Jumpin’ Jack Flash de Mick Jagger e Keith Richards. Tsá?

Porém, apesar do óbvio talento, o disco não fez barulho. Mesmo assim, Thelma foi contratada pela Motown. Fez discos por lá que também não deram em nada. Aí tinha rolado uma história de que ela faria um filme baseado na vida de ninguém menos que Dinah Washington. Não rolou, ao que tudo indica porque a família de Washington não entrou num acordo.
Chegou ao ponto de ela gravar uma música, Do You Know Where You’re Going To, e ela de repente ser engavetada porque Diana Ross, a grande estrela da Motown na época, ia lançar uma versão dela como parte da trilha sonora de Mahogany, um outro filme da Motown! Mas aí aconteceu uma reviravolta…

Queriam uma sequência para o sucesso de Diana Love Hangover, de 1976. Aí apareceu Don’t Leave Me This Way para ser retrabalhada numa pegada mais disco, caminho que Love Hangover já indicava do meio para o fim para Diana com suas batidas dançantes. Não foi o que aconteceu: por algum golpe do destino, sorte ou azar, a música acabou sendo uma aposta para Thelma. E assim surgiu um dos maiores clássicos da disco music:

O ultrahit rendeu Grammy para Thelma Houston. Mas isso foi bom ou ruim? Thelma acabou conhecida como uma one hit wonder, coisa que não faz jus ao seu talento. E Diana, se tivesse gravado a música, talvez ficasse muito atrelada à era disco e sofreria as consequências do boicote ao estilo que veio depois, e que provavelmente atingiram Thelma. Todo artista disco foi considerado cafona, comercial demais, em questão de uma virada de década. E já discuti bastante aqui, espalhado pelos outros posts: a rejeição tinha muito a ver com racismo e homofobia.

Os gays, no entanto, nunca esqueceram o quanto essa versão da música com Thelma Houston bateu forte neles na pista de dança. Mais sobre isso a seguir - antes, um prodígio chamado Jimmy Somerville pegaria o hit estadunidense e o chamaria de seu, sendo que ele… é um inglês branquelo e calvo. Mas que voz, senhoras e senhores. A dupla Communards, formada por Jimmy e Richard Coles, injetou synth pop na parada e chamou a cantora Sarah Jane Morris, até então mais teatral (tipo Bertold Bretch e Kurt Weill, saca?), para fazer uma versão de Don’t Leave Me This Way em 1986 que soou ressignificada:

A revolução vai rolar na pista de dança! Ou mais ou menos isso? O nome Communards vem dos revolucionários da comuna de Paris de 1871 (!!!) e a música Don’t Leave Me This Way é dedicada, no encarte, a ninguém menos que o Great London Council, que na época estava sendo dissolvido e substituído pelo London County Council. O conselho cuidava de serviços para o cidadão da área da Grande Londres como bombeiros, prevenção de enchentes, e também dividiam responsabilidade com conselhos de bairro sobre áreas de lazer, planejamento urbano e por aí vai.

Mas o mais importante: Jimmy e Richard eram assumidamente gays. E nos anos 1980 em Londres, assim como em outras cidades ao redor do mundo, a comunidade gay enfrentava um pesadelo: a AIDS. Don’t Leave Me This Way ganhava uma nova camada de sentido. Era um apelo para o não-abandono de soropositivos e de todo um grupo que estava ameaçado.

Com isso, a versão de Thelma também acabou resgatada. Ganhou remix em 1995 bem poperô, inclusive:

Entre fim de 1990 e começo de 2000, a disco music começou a ser revista e revalorizada. Thelma começou a reaparecer em turnês que resgatavam artistas da época, mas sinceramente, na minha opinião, ela segue menos respeitada do que deveria e com menos sucessos do que poderia.
Um dos últimos registros de Thelma em gravação é… Bobby, Don’t You Think They Know?, do disco I Am Not a Dog on a Chain do controverso Morrissey!

A música não foi bem recebida - muito porque Morrissey hoje em dia não é o tipo de pessoa que os críticos elogiam facilmente. Primeiro porque é difícil se equiparar com clássicos que ele fez antes, segundo porque suas opiniões políticas são, para dizer o mínimo, toscas.
Quanto à letra, ela é meio aberta a qualquer coisa - não dá para pescar. E pelo fato dela ser até nonsense, você consegue encaixar qualquer coisa ali, inclusive um Bobby enrustido.

Mas voltemos para Don’t Leave Me This Way. Essas versões sobre as quais falei aqui não são as únicas que existem, longe disso. Entre as outras, acho que é digna de nota… essa aqui:

Casada com Johnny Halliday nessa época e portanto formando o casal celebridade mais-mais da França, Sylvie Vartan havia se reinventado depois do yé-yé dos anos 1960 para se transformar em uma disco diva. Eu adoro! Essa versão é de 1977, ao vivo, portanto na esteira do sucesso de Thelma.

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O que aconteceu com Lady Zu, Miss Lene e Sarah Regina, o trio das rainhas disco?

Bom, sempre existiu a Gretchen (eu amo dizer começar um post com uma frase mentirosa, porque na verdade Maria Odete nasceu em 1959 e Gretchen lançou seu primeiro grande hit, Freak Le Boom Boom, lá por 1979 – e sempre é tempo demais, né?).
Estou falando disso para, antes de mais nada, justificar o título desse post. Hoje acho que a gente considera a Gretchen algo que não é exatamente uma rainha de disco music brasileira: primeiro porque acho que os maiores hits dela não são exatamente disco music, é música pop dançante que mistura alguns poucos elementos de disco com outras coisas. E segundo porque sinceramente tenho a impressão que a maioria das pessoas que compartilha memes da Gretchen a conhece mais como personagem de meme do que exatamente pelos hits. Mesmo que a garotada de 20 anos conheça o Melô do Piripipi ou Conga Conga Conga, é em outra pegada. Não é a música que se espalha pela internet, é o rosto carismático daquela que, sim, já foi uma das maiores vendedoras de disco do país.

Então, quem são as rainhas da disco music brasileira? Pode ter gente que ache ruim eu ter deixado de fora Elizângela ou mesmo a intérprete de uma das minhas músicas preferidas da disco music brasileira, a Brenda. O fato é que ambas só tiveram um hit de disco music: Elizângela com Pertinho de Você e Brenda com Sábado que Vem. Então escolhi outras três por um conjunto de competência, alcance e, er… élan?
Se não concorda, tudo bem, pode discordar aí na sua casa. Paciência.
Para mim as rainhas da disco music brasileira são: Lady Zu, Miss Lene e Sarah Regina.
Obs.: Sidney Magal é o rei (Ronaldo Corrêa, um dos Golden Boys, deveria dividir essa coroa se o mundo fosse justo, mas não é e ele nunca chegou a fazer tanto sucesso em carreira solo).

Depois dessa longuíssima introdução de claramente alguém que ficou muito tempo sem escrever no próprio blog e esqueceu como é bom ser objetivo, vamos à pergunta: afinal, o que aconteceu com Zuleide, Frankislene e Sarah? Olha… leia até o final porque eu prometo, a última história é surpreendente e me deixou DE CARA.

Eu olhei para Lady Zu e disse: artista

Vamos falar bem claro: Lady Zu é uma baita cantora. Tem voz, tem técnica, é impressionante. E no começo também tinha repertório.
O que pouca gente sabe: Zuleide Santos Silva era artista mirim. Chegou a participar ativamente de programas de talentos infantis que aconteciam em SP e fez aulas de canto. Aí cansou. Na adolescência, começou a se encantar pelo mundo das artes e entretenimento de novo. Batalhou por um espaço com a cara e com a coragem, batendo na porta de gente importante até conseguir uma chance na Phonogram com Marcos Maynard, o cara que depois ainda estaria por trás dos sucessos do RPM e Ritchie, para citar apenas dois estouros de vendas.
Maynard pediu música no estilo disco para Paulinho Camargo e para Totó Mugabe. São elas que formam o primeiro compacto da rebatizada Lady Zu – por Roberto Menescal, dizem, que fazia parte do time da Phonogram.
Paulinho faria outras músicas disco depois: para Cornélius, por exemplo, e Dudu França. Mas foi essa primeira que realmente explodiu. A Noite Vai Chegar entrou na trilha sonora da novela Sem Lenço Sem Documento e vendeu que nem água.
E qual era a de Totó? Eu Prefiro Dançar é muito boa, mais black ("pega-se um livro bom / ou se toma alguma coisa para adormecer / eu prefiro dançar, yeah!" - como resistir?) e acabou de fora do primeiro disco de Lady Zu (e não devia!). Totó é um dos tantos elos perdidos da black music brasileira – se a gente já não valorizava direito Cassiano, Tim Maia, Gerson King Combo, Wilson Simonal, o que diríamos de Totó… Mas o cara era BOM. BOM DEMAIS.

Totó já estava por aí fazia tempo naquele fim dos anos 1970. Em 1972, já tinha rolado uma tentativa de carreira enquanto cantor no Totó & Cia Ltda. com Mãe Preta:

Mesmo antes disso, Totó já era compositor gravado. Talvez a principal música nessa época composta por Totó era Não Creio em Mais Nada, gravada por Paulo Sérgio em 1970 e que lembra a fase soul de Roberto Carlos. É muito boa, de verdade. Play:

Mas sinceramente, me parece que Lady Zu foi a maior intérprete de Totó.
E Totó e Paulinho foram os principais compositores de Lady Zu nessa fase áurea dos dois primeiros álbuns dela. O primeiro, lançado ainda em 1978 para aproveitar o embalo do sucesso do compacto, é um clássico imperdível.

E o segundo, de 1979 e batizado de Fêmea Brasileira (a música homônima é de ninguém menos que Marku Ribas), ainda conta com composições de Paulinho e Totó. Totó também participou cantando do primeiro single, um delicioso samba soul chamado Hora da União.

Que mais? Chegou Luis Vagner para fazer outro dueto (em Boneca de Pixe de Ary Barroso e Luís Iglésias, outrora do repertório de Carmen Miranda e de repente atualizada com tons jazzísticos). Vagner já tinha composto uma do álbum anterior, Eu Queria Falar Com Você, em parceria com Tom Gomes. E o álbum fecha com… A Banda, de Chico Buarque! Em ritmo de disco music, isso mesmo!

Lady Zu diz que continuou fazendo shows, que a coisa para ela nunca ficou necessariamente ruim no âmbito profissional. Mas o fato é que a disco music acabou, escurraçada. Acho que já falei por aqui sobre isso, né? Tinha um fundo (para não dizer uma frente) homofóbico e racista nessa rejeição absoluta ao estilo musical, para além da exaustão dessa dominação nas rádios. (O sertanejo domina, continua dominando, até se renova mas… nunca cansa, mesmo superexposto, né? Então tem caroço nesse angu.)
Nos anos 1980, chegou o BRock de classe média branca para balançar todas as estruturas, mas quem continuou reinando de fato foi Roberto Carlos, cada vez mais romântico.

Em 1988, o disco-projeto Alma Negra resgatou uma turma da soul music brasileira, com artistas incríveis reponsáveis por uma ou mais faixas. Lady Zu, que nunca foi estranha ao soul (Só Você, por exemplo, por mais que tenha um instrumental superdisco, tinha uma estrutura melódica bem soul), participou com Junto a Mim e Vou Vivendo, ambas de Frankye Arduini (da dupla com Tony Bizarro, Tony & Frankye, considerados percussores do soul no Brasil). Com Zu, estavam no projeto o próprio Tony Bizarro, Tony Tornado, Carlinhos Trompete e aquele mesmo Luis Vagner que participou de Boneca de Pixe.

Nem preciso dizer que Alma Negra é raríssimo, né?

Lady Zu só lançou um novo disco solo em 1989. É o Louco Amor, e ela deve ter gostado do romantismo soul que experimentou em Alma Negra porque esse álbum todo também namora esse estilo. De Totó, nem sombra (tentei achar a data em que ele morreu e não consegui, mas é provável que ele já tivesse morrido na época, porque a gente só identifica composições novas dele gravadas até o começo dos anos 1980). De Paulinho, Louco Amor tem apenas uma regravação de A Noite Vai Chegar.
Esse trabalho, com seus arranjos sintetizados e suas baladas, está bem de acordo com um estilo radiofônico popular de sua época. Junto a Mim, do Alma Negra, também estava aqui, assim como Contrato Assinado de Chico Roque e Paulo Sérgio Valle, que é tão a cara de Sandra de Sá que… acabou regravada por Sandra de Sá em 1991, no disco Lucky!.

Louco Amor é o único disco solo de Lady Zu que não está no Spotify.

Mais uma década passou. Em 2001, os dois primeiros álbuns da Lady Zu finalmente receberam reedição em CD e ela começou a ser redescoberta por um novo público. A cantora voltou para os braços da música dançante em 2002 com Number One. Entre regravações e novidades, ela também não esqueceu do soul dos anos 1980 (o que faz sentido tanto na sua carreira quanto para a época, que tinha bastante R&B nas paradas).

Aí você pergunta: certo. Mas e hoje? Como está a Lady Zu hoje?

Eu te digo: está ótima. Se quiser, dê um play aí e comprove por si mesmo:

Sim, como eu disse ela sempre teve uma voz incrível. É surreal que ela não seja celebrada como merece. Na segunda parte dessa entrevista do vídeo, ela faz uma reflexão bem contundente e pede para que não digam, quando ela morrer, que ela "vai fazer falta" – porque ela acha que as pessoas precisam perceber o valor dos artistas em vida e não adianta tentar valorizá-lo quando ele não puder mais colher os louros.

Justiça para Miss Lene

Uma das coisas que eu mais tenho curiosidade de escutar na vida é da Lena e da Leda. Nunca achei nada. Elas chegaram a se apresentar na Tupi, extinta rede de TV, no programa Show do Mercantil que era gravado (ou era ao vivo, não sei) em Fortaleza.
E o motivo de eu ter tanta curiosidade é que as irmãs Lena e Leda eram na verdade Frankislene e… putz, não sei o nome real dela, mas o artístico foi Mary Jô.
Essa Mary Jô:

Frankislene, que depois virou Miss Lene, e Mary Jô eram irmãs de verdade. Mary só lançou um compacto, com Tempo de Sorrir e a ótima Dance Livre, em 1978. "Hoje a noite vou sair para dançar / e quem sabe eu possa encontrar / o carinha que um dia me falou / que dançando eu posso encontrar o amor / por isso danço livre!” Quem resiste a essa letra?

Mary Jô virou advogada.

Já Miss Lene fez muito sucesso também em 1978 com Quem é Ele e Deixa a Música Tocar.

Na ficha técnica do primeiro disco de Miss Lene, homônimo e lançado em 1978 mesmo, consta Fernando Adour na direção de produção com William Luna – ele também compôs duas músicas do lado B, É Só Você com Simonelli e Agora Eu Sei sozinho.
Adour depois produziu o começo da fase pop de Guilherme Arantes tipo Planeta Água e eu juro que isso é relevante mais para frente, segura essa informação. Entre outras coisas, ele também é quem assina a produção de nada mais, nada menos que o CD ao vivo da Banda Eva, aquele clássico de 1997. Eu sei que você lembra.

Mas outro nome que me chama a atenção é o do compositor Fernando Santos, que assina Não Vou Me Grilar (sozinho), É Só Mexer (com Carlos André) e Quem É Ele (com Betto Douglas).
Você sabe quem é Fernando Santos?
Deveria… Prepare-se para mais uma digressão desse seu querido blog:

Santos é daqueles capítulos da música pop brasileira que seguem perdidos. Como cantor, lançou dois discos, ambos em 1978. O primeiro é inteiro em ritmo de disco music e com temática umbandista.
É isso mesmo. Disco music umbandista. É uma das coisas mais maravilhosas.

A notícia boa é que ele até está presente no Spotify, mas a ruim é que o disco que está disponível não é o de disco music e sim o outro de 1978 (creditado erroneamente como se fosse de 2005). Não me entenda mal, ele não é ruim. Mas claro, o que a gente queria ouvir sempre é essa, digamos, fusion.
Me parece que a ideia de misturar disco music com umbanda foi de, adivinha, Carlos Imperial. É a cara dele. E quando ele apresenta Fernando no seu programa, ali no vídeo de Omulu, dá a entender que está bem envolvido.
Então, já sabe: se ver essa capa por aí, é para comprar e me dar porque sou um cara muito legal >>

(Eu disse que esse post ia ficando cada vez melhor)

OK, voltando a Miss Lene. O segundo álbum dela, de 1980, é uma tentativa de se desvencilhar da disco music que já estava ficando saturadíssima.
E é outra preciosidade que, se você ver dando sopa, também serve de presente para esse humilde escrivão que vos fala.

Então vamos lá: Fernando Adour seguia ali e fez algumas versões para esse repertório como A Carta (de The Letter, lançada originalmente pelo The Box Top em 1967 e depois regravada por Joe Cocker em 1970) e O Homem (uma versão absolutamente incrível de The Man With The Child in His Eyes de Kate Bush!) e também assina as originais O Tempo Chegou (com Aloysio Reis) e O Princípio e Fim (sozinho).
O outro Fernando sumiu.
Outros compositores destaque do disco são Márcio Greyck, que também era próximo de Adour pelo que entendi, com Chega Mais (que não chega a ser disco music mas é meio samba funk); Tim Maia com Sinal de Desejo, música que era inédita e nunca mais foi gravada (é ÓTIMA); e… Guilherme Arantes. Eu disse que era para lembrar dele. Ele deu a também inédita na época Vivendo Com Medo, que já teve duas regravações obscuras, uma com Marya Bravo e outra com Netinho (não o do pagode, outro).
Vivendo Com Medo é surrealmente incrível principalmente porque foi lançada em pleno comecinho de abertura, né? Você pode imaginar o teor da letra, quase político e superpop.

Miss Lene ainda chegou a gravar alguns compactos depois dessa maravilha que flopou. Em 1983, rolou seu último single, dançante, funkeadíssimo, chamado… Dance!

Bom. Aí Miss Lene casou com um empresário suíço que ela conheceu em um show e foi morar na Europa. Depois, conheceu um outro amor por lá e teve uma filha.
A história acabou?
Não.
Ela se separou.
Por volta de 2012, isso apareceu:

Isso mesmo.
Volta a fita.
Láááá no começo da carreira de Miss Lene, ela era chamada de Tina Charles brasileira (assim como Lady Zu era chamada de Donna Summer brasileira). Só que Lene realmente tinha autorização registrada para cantar as músicas de Tina no Brasil. Tipo "cover oficial". Ou seja, é incrível que ela tenha gravado uma versão forró (Frankislene é cearense) de I Love To Love (talvez o maior sucesso da carreira de Tina).

Agora, Miss Lene está no Brasil ou na Suíça? Não faço ideia. A gente encontra vídeos recentes dela tanto aqui quanto lá. O que eu acho é que ela está na Europa e uma Michelle, que é parente dela e tem um canal de YouTube, subiu faz alguns meses esse vídeo aqui:

Michelle é sobrinha na fala de Miss Lene nesse vídeo. Mas também é o nome da filha dela! Que confusão, né? Risos! Não dá para saber qual é a dona do canal do YouTube.
(E se você achou a Miss Lene muito nova no vídeo, é porque ela começou muito nova mesmo!)

Sarah Regina, a voz que você continua ouvindo

Consta que, segundo Mister Sam (o produtor dos primeiros anos de ouro da Gretchen), ele namorava Sarah Regina antes de ter começado a trabalhar com a Gretchen, ela cantava bem e tal, então rolaram essas primeiras gravações em 1978. Entre elas, a de Amor Bandido. Adivinha quem é o compositor? Paulinho Camargo, em parceria com Max Jr! Que tal?

No começo, ela assinava apenas Sarah. Saiu um EP nessa mesma época que se chamava A Última Dança (também título de uma versão bacanuda, linda, de Last Dance do repertório de Donna Summer) e contava com outro hit, Deixe Todo Esse Amor Pra Depois:

(Sabe quem regravou Deixe Todo Esse Amor Pra Depois em 2004? Pois é, coleguinha… Simone e Simaria!)

Bom, todas essas coisas produzidas pelo Mister Sam ficaram no passado quando ele encontrou o sucesso gigantesco com a Gretchen e Sarah, por sua vez, seguiu em frente com o LP Felina de 1982. Ela mesma diz que não queria cantar disco music e seu sonho era ser uma cantora de MPB – dá uma olhada nessa entrevista.

Felina continha Sombras, da trilha sonora de Os Ricos Também Choram do SBT. E já não tinha nada a ver com disco music.

Acho que o nome-chave que aparece entre os compositores aqui é Mário Lúcio de Freitas. Ele é o autor de 6 das 12 músicas e ainda fez a versão de duas (People, do musical Funny Girl, virou A Versão Que Ficou; Sweet France, do flautista Zamfir, ganhou letra e virou Só).
Mário foi casado com Sarah (não sei em que ano eles se casaram, exatamente). Ele virou um importante produtor de áudio, músicas de abertura de programas, jingles, dublagem – é o dono do Gota Mágica. Os brasileiros fãs de Chaves sabem: ele é a voz do Godinez! Então, tanto Mário quanto a própria Sarah começaram a enveredar cada vez mais para esse mundo da música da TV.

Ainda na carreira de cantora, Sarah lançaria, por exemplo, um compacto com A Turminha Levada da Breca que era da trilha sonora da novela infantil Chispita e incluía Anjo Bom e A Família.

"Um anjo boooooom / faz falta"
(Ferrou, vai ficar na minha cabeça por uma semana)

A verdade é que a voz de Sarah acabou emprestada para mil coisas. Mil coisas mesmo. Tipo… a Jem. Da Jem e as Hologramas.
Sim, a voz na música em português de Jem é de Sarah Regina.

Eu sei, você já foi fã da Sarah Regina e nem sabia, né?
Uma curiosidade: nesse vídeo aqui de Um Animal Selvagem, das Desajustadas, a banda rival das Hologramas, dizem que a gente escuta a voz de… Lady Zu! Em teoria, ela era a "voz de cantora”de Urânia. E Sarah fazia os backing vocals das Desajustadas também, então talvez esse seja o único registro do encontro entre duas rainhas da disco music brasileira!!!
Só que eu não acho a voz da Urânia muito parecida com a da Lady Zu, a menos que ela tenha caprichado na interpretação com uma dicção diferentona. Parece alguém forçando a voz para ficar mais grossa.
O Miguel Andrade já falou no La Dolce Vita que é isso mesmo, Lady Zu é Urânia. Eu sei lá. É que consigo identificar muito mais a voz da Sarah, gente, desculpa.

Sobre Sarah: não acabou aí. Abertura clássica de Cavaleiros do Zodíaco? Sarah Regina estava lá com Mário, Sueli Gondin e Rubinho Ribeiro. A Lenda da Luz da Lua, CRÁSSICASSO de Sailor Moon? Sarah. Mas essa daqui eu cheguei a lacrimejar quando descobri que era ela – e o melhor, parece mesmo a Sarah, dá super para reconhecer:

Ah, gente! Se mexe com Sakura Card Captors, mexe também com o nosso coração <3

Esse post foi uma homenagem a essas maravilhosas cantoras que ainda não possuem o reconhecimento que merecem.
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