"Não me deixe assim!" Quantas versões fazem um hit?

Você lembra qual versão de Don’t Leave me This Way foi a primeira que ouviu?
Certamente não foi a primeira a ser lançada. Isso porque essa primeira versão, de 1975, é a menos famosa de todas!

O mais interessante é que eu acho essa versão a mais delicada, climática. Ela está prontinha para uma trilha sonora. Como é que ninguém ainda se animou a hypar?
O vocal de Teddy Pendergrass é uma delícia e o instrumental do Blue Notes tem uma pegada que é disco music mas está mais para soul, quase um baladão com batidas. Pendergrass estava no grupo desde 1970. Parece que rolou uma treta em torno de dinheiro e ele saiu pouco tempo depois do lançamento de Don’t Leave Me This Way, que foi impulsionada por uma de suas versões mais famosas e chegou a figurar no top 10 dos EUA e do Reino Unido. Como eu comentei, mesmo assim ela é a versão mais desconhecida da música. Ficou apagada no tempo, injustamente.

A dupla de compositores Kenneth Gamble e Leon A. Huff, mais conhecida como Gamble & Huff e considerada grande responsável pelo Philly sound (o soul típico de Filadélfia), já tinha feito pelo menos um hit para Harold Melvin & The Blue Notes: If You Don’t Know Me By Now, que você provavelmente conhece. Dizem que essa foi composta originalmente para o Labelle - IMAGINA? Patti LaBelle acabou apresentando a música em shows na década de 1980 e, você sabe, Simply Red gravou a versão deles com muito sucesso em 1989.

Affff PATTIIIIIII!

Don’t Leave Me This Way também tem um letrista: Cary Gilbert. Com Gamble & Huff, ele também fez a letra de Me and Mrs Jones.

E, bem, a letra de Gilbert para Don’t Leave Me This Way pode significar várias coisas. Um amor desesperado. Um tesão descontrolado. Um abandono melancólico. Depende de quem interpreta.
Quem a interpretou depois de Pendergrass foi uma das cantoras mais injustiçadas pelo preconceito com a disco music: pode entrar, Thelma Houston!

Quando Thelma e Don’t Leave Me This Way se encontraram, ela já tinha ralado muito. O primeiro álbum dela, Sunshower, saiu em 1969 e contava com diversas músicas do hit maker Jimmy Webb, além de nada mais nada menos que Jumpin’ Jack Flash de Mick Jagger e Keith Richards. Tsá?

Porém, apesar do óbvio talento, o disco não fez barulho. Mesmo assim, Thelma foi contratada pela Motown. Fez discos por lá que também não deram em nada. Aí tinha rolado uma história de que ela faria um filme baseado na vida de ninguém menos que Dinah Washington. Não rolou, ao que tudo indica porque a família de Washington não entrou num acordo.
Chegou ao ponto de ela gravar uma música, Do You Know Where You’re Going To, e ela de repente ser engavetada porque Diana Ross, a grande estrela da Motown na época, ia lançar uma versão dela como parte da trilha sonora de Mahogany, um outro filme da Motown! Mas aí aconteceu uma reviravolta…

Queriam uma sequência para o sucesso de Diana Love Hangover, de 1976. Aí apareceu Don’t Leave Me This Way para ser retrabalhada numa pegada mais disco, caminho que Love Hangover já indicava do meio para o fim para Diana com suas batidas dançantes. Não foi o que aconteceu: por algum golpe do destino, sorte ou azar, a música acabou sendo uma aposta para Thelma. E assim surgiu um dos maiores clássicos da disco music:

O ultrahit rendeu Grammy para Thelma Houston. Mas isso foi bom ou ruim? Thelma acabou conhecida como uma one hit wonder, coisa que não faz jus ao seu talento. E Diana, se tivesse gravado a música, talvez ficasse muito atrelada à era disco e sofreria as consequências do boicote ao estilo que veio depois, e que provavelmente atingiram Thelma. Todo artista disco foi considerado cafona, comercial demais, em questão de uma virada de década. E já discuti bastante aqui, espalhado pelos outros posts: a rejeição tinha muito a ver com racismo e homofobia.

Os gays, no entanto, nunca esqueceram o quanto essa versão da música com Thelma Houston bateu forte neles na pista de dança. Mais sobre isso a seguir - antes, um prodígio chamado Jimmy Somerville pegaria o hit estadunidense e o chamaria de seu, sendo que ele… é um inglês branquelo e calvo. Mas que voz, senhoras e senhores. A dupla Communards, formada por Jimmy e Richard Coles, injetou synth pop na parada e chamou a cantora Sarah Jane Morris, até então mais teatral (tipo Bertold Bretch e Kurt Weill, saca?), para fazer uma versão de Don’t Leave Me This Way em 1986 que soou ressignificada:

A revolução vai rolar na pista de dança! Ou mais ou menos isso? O nome Communards vem dos revolucionários da comuna de Paris de 1871 (!!!) e a música Don’t Leave Me This Way é dedicada, no encarte, a ninguém menos que o Great London Council, que na época estava sendo dissolvido e substituído pelo London County Council. O conselho cuidava de serviços para o cidadão da área da Grande Londres como bombeiros, prevenção de enchentes, e também dividiam responsabilidade com conselhos de bairro sobre áreas de lazer, planejamento urbano e por aí vai.

Mas o mais importante: Jimmy e Richard eram assumidamente gays. E nos anos 1980 em Londres, assim como em outras cidades ao redor do mundo, a comunidade gay enfrentava um pesadelo: a AIDS. Don’t Leave Me This Way ganhava uma nova camada de sentido. Era um apelo para o não-abandono de soropositivos e de todo um grupo que estava ameaçado.

Com isso, a versão de Thelma também acabou resgatada. Ganhou remix em 1995 bem poperô, inclusive:

Entre fim de 1990 e começo de 2000, a disco music começou a ser revista e revalorizada. Thelma começou a reaparecer em turnês que resgatavam artistas da época, mas sinceramente, na minha opinião, ela segue menos respeitada do que deveria e com menos sucessos do que poderia.
Um dos últimos registros de Thelma em gravação é… Bobby, Don’t You Think They Know?, do disco I Am Not a Dog on a Chain do controverso Morrissey!

A música não foi bem recebida - muito porque Morrissey hoje em dia não é o tipo de pessoa que os críticos elogiam facilmente. Primeiro porque é difícil se equiparar com clássicos que ele fez antes, segundo porque suas opiniões políticas são, para dizer o mínimo, toscas.
Quanto à letra, ela é meio aberta a qualquer coisa - não dá para pescar. E pelo fato dela ser até nonsense, você consegue encaixar qualquer coisa ali, inclusive um Bobby enrustido.

Mas voltemos para Don’t Leave Me This Way. Essas versões sobre as quais falei aqui não são as únicas que existem, longe disso. Entre as outras, acho que é digna de nota… essa aqui:

Casada com Johnny Halliday nessa época e portanto formando o casal celebridade mais-mais da França, Sylvie Vartan havia se reinventado depois do yé-yé dos anos 1960 para se transformar em uma disco diva. Eu adoro! Essa versão é de 1977, ao vivo, portanto na esteira do sucesso de Thelma.

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Shibuya-kei sem ser no Japão: de Swing Out Sister a outros deliciosos pastiches

Ah, o zeitgeist…

Você sabe o que é Shibuya-kei? Eu dei uma explicação bem completa no terceiro episódio da primeira temporada do programa Quatrilho no meu podcast, quando falei do Pizzicato Five. Mas para quem está com preguiça de ouvir, segue aqui: Shibuya é um bairro de Tóquio e, lá no começo dos anos 1990 começou a despontar por ali uma espécie de movimento. É que os xóvens estavam gostando de certo tipo de som, uma coisa nostálgica revisitada com eletrônica, um pastiche irônico de Burt Bacharach, Phil Spector, Serge Gainsbourg, Beach Boys… No Japão, faziam parte Pizzicato Five, Flipper's Guitar, Original Love e outras bandas (também tem esse post no qual falo mais).

Acontece que o movimento era mundial – muita gente também inclui Dimitri from Paris, April March e até o Pato Fu entre os representantes do Shibuya-kei. Esse interesse pelas músicas dos anos 1960, pelo retrofuturismo e pela orquestração à moda wall of sound do Spector já estava pintando desde os anos 1980. Enxergo vários pontos de partida longe de Tóquio. Muitos deles aconteceram em outra ilha, no Reino Unido.

Dusty Springfield & Pet Shop Boys

O ano era 1987 e o álbum era Actually, dos Pet Shop Boys. Eles decidiram resgatar um ícone vivo que naquele momento estava injustiçado, bem longe das paradas de sucesso. Nada menos que Dusty Springfield.

Não tem como deixar de enxergar a combinação entre pop eletrônico e as canções arranjadas por Spector aqui. Dusty, que tinha uma história muito particular com o soul mesmo sendo branca, era símbolo dessa memorabilia que o Pet Shop Boys curtia e queria reverenciar. Dusty in Memphis, o álbum de 1969, segue como um dos maiores clássicos da música pop.

Depois do sucesso que foi What Have I Done to Deserve This, feita especialmente para a participação de Dusty, a dupla e a cantora colaboraram em Nothing Has Been Proved. Mais referente aos anos 1960 ainda, a música foi uma encomenda do produtor Stephen Woolley para o filme Scandal de 1989, sobre o caso Profumo de 1963 que abalou a política britânica na época. Nothing cita nomes envolvidos e fala que Please Please Me, canção dos Beatles, estava no topo das paradas. A gente quase não se toca ao ouvir a música descompromissadamente, mas ao colocá-la no contexto do Shibuya-kei, conseguimos enxergá-la como uma faixa dos primeiros discos do Pizzicato Five!

O disco de 1990 de Dusty, Reputation, ainda contaria com outras três faixas compostas e produzidas pelo Pet Shop Boys fora Nothing: In Private, Daydreaming e Occupy Your Mind, tudo isso no lado B. Mas também é interessante uma faixa do lado A do disco: Arrested by You, composta pela dupla Rupert Hine e Jeanette Obstoj, ganhou produção de Paul O'Duffy. Sabe quem é ele?

Swing Out Sister: tudo no último minuto

Corinne Drewery sempre diz em entrevista que tanto o nome, Swing Out Sister, quanto o primeiro sucesso deles, Breakout, foi resolvido de última hora, quando eles tinham que apresentar algo ou estavam fora. Pois sim: Breakout foi "resolvida” momentos antes de ser gravada no estúdio! Quando o single de Breakout saiu, em 1986, foi um, er, breakout. E quem era o produtor? Adivinha… Paul O'Duffy!

Paul, só para você saber, seria o dono do estúdio caseiro onde Amy Winehouse trabalharia em algumas faixas do que se tornaria o clássico Back to Black (2006). A faixa Wake Up Alone tem créditos para Paul e Amy.

Na época de Breakout o Swing Out Sister era um trio, com Corinne abandonando uma carreira de modelo e estilista para se juntar aos músicos Andy Connell (teclados) e Martin Jackson (bateria). Você quer mais paralelos com o Pizzicato Five? Bom, logo após esse primeiro álbum, Jackson sai (e vai trabalhar com ninguém menos que Frank Zappa) e o trio vira duo. Foi com essa formação que eles lançariam o próximo álbum, Kaleidoscope World, de 1989, e chegariam em Am I the Same Girl? em 1992 no disco Get in Touch With Yourself.

Am I the Same Girl? na verdade é uma regravação de Barbara Acklin de 1968. E teve uma outra pessoa que regravou a canção no ano seguinte ao lançamento de Barbara… Dusty Springfield! Dusty era referência de Drewery, de Winehouse… e certamente de Maki Nomiya no Pizzicato Five.

O mundo é do tamanho de uma azeitona, né?

A mistura de jazz e pop do Swing Out Sister ganhou um outro nome entre os críticos musicais: eles seriam conhecidos como um dos maiores representantes do sophistipop. Isso mesmo: SOPHISTIPOP. It's a thing, google it!

O Swing Out Sister existe até hoje e segue lançando álbum até hoje, mas sem chegar perto do sucesso que conquistou até 1992. O importante é que: eles seguem ótimos!!! E, não obstante, tem um séquito de fãs fiéis… no Japão.

Uma coisa que caracteriza o Shibuya-kei é a programação visual caprichada do material gráfico que seus "membros” apreciam. Swing Out Sister: check! Tem uma coisa retrô, fashion e divertida que as bandas japonesas também amavam

Além de Dusty: Sandie Shaw e os Smiths!

Muita gente nessa década de 1980 compartilhava desse gosto pelo pop retrô com Neil Tennant e Chris Lowe. Um desses colegas era Morrissey, tanto é que ele convenceu Sandie Shaw, aquela que cantava (There's) Always Something There to Remind Me em 1964 e que ganhou o Eurovision em 1967 com Puppet on a String, a ouvi-lo numa proposta…

Morrissey tinha uma fascinação com cantoras pop de duas décadas atrás por influência do New York Dolls, dizem. E ele e Johnny Marr queriam ser respeitados como compositores, tanto quanto com a banda The Smiths em si. Então eles decidiram convencer Sandie a gravar uma música deles. Muito bem: depois de muito trabalho para ela aceitar, eles entraram em estúdio em 1984 para gravar Hand in Glove, que havia sido o primeiro single dos Smiths em 1983. Repare que os Smiths ainda estavam no começo da carreira! E Sandie diz que ficou chocada ao receber o single de Hand in Glove, que traz a bunda do ator George O'Mara em foto de Jim French. Ela teria dito para o marido: "He’s started sending me pictures of naked men with their bums showing!".
Bom, parece que no fim a bunda venceu…

Mandaram nudes para Sandie…

Sandie lançou o álbum Hello Angel em 1988. O single Please Help the Cause Against the Loneliness foi escrito por Morrissey e o produtor Stephen Street. O disco ainda traz Cool About You, uma música inspirada nos hits de Phil Spector e composta por Jim e Willian Reid do The Jesus and Mary Chain. Outra regravação é A Girl Called Johnny, originalmente da banda The Waterboys e inspirada em Patti Smith.
Deu para perceber que esse disco da Sandie é ótimo?

A olhos nus: Sandie de novo

Ah, e lembra do sucesso (There's) Always Something There to Remind You da Sandie? Composta por Bacharach e Hal David, ela reapareceria em versão synthpop em 1982 com o Naked Eyes. No Brasil, acredito que essa versão acabou fazendo mais sucesso que a original principalmente pela sua inclusão da trilha sonora da novela Guerra dos Sexos! E de fato ela é ótima, aqueles sinos do começo são SHOW, as batidas do refrão idem.

Já que falamos deles: Psychocandy, do The Jesus and Mary Chain

A música que abre Psychocandy (1985), Just Like Honey, simplesmente empresta a bateria de um sucesso de 1963 das Ronettes: Be My Baby. Sim, Psychocandy prenunciou o sucesso de Be My Baby que viria na trilha do longa Dirty Dancing em 1987. O resto do álbum deles tem toques de Bacharach, sempre combinados com muita distorção. É como se o Shibuya-kei fosse guitarreiro e mais barulhento, menos eletrônico. Esse paradigma duraria até os anos 2000 entre as bandas de rock indie, que emulavam essa "fofura distorcida".

Melodia carismática & a onda mais doce da new wave: Since Yesterday

Uma das minhas músicas pop preferidas EVER, Since Yesterday não ficaria deslocada ao lado num disco de Merrilee Rush, de France Gall ou de Petula Clark. Ela RESPIRA anos 1960. O maior sucesso da dupla Strawberry Switchblade saiu em 1984 e é sobre… guerra nuclear. Quenda. Existe um motivo para ela ser tão docinha mesmo com as batidas da new wave: o Strawberry Switchblade na sua origem era uma banda folk-pop, e essa música foi o marco da virada, composta por uma das integrantes, a Rose McDowall, mas produzida de maneira diferente. A melodia do começo foi tirada do terceiro movimento da quinta sinfonia de Jean Sibelius – não acredito que acabei de falar de música clássica nesse blog.

O clipe acima também mostra o estilo característico delas, com maquiagem pesadona nos olhos e muita estampa de bolinha, muito acessório, uma coisa fofa-moderna pra época. Precursoras do kawaii. Adoro demais.

Um momento, maestro: Everything But the Girl em 1986

Eu sei, tudo é sempre uma desculpa para falar de Everything But the Girl e Pizzicato Five, mas eu não resisti.

Em 1986, o Everything But the Girl já tinha lançado dois álbuns: Eden, que é bem jazzy bossa nova, e Love Not Money, super new wave rockeirita. Aí eles cometeram Baby, the Stars Shine Bright, a coisa mais retrô que eles poderiam fazer na época.

Acho que eles chegam até a ultrapassar os anos 1960 e chegam nos anos 1950, com arranjos grandiosos orquestrados, uma loucura. A versão deluxe lançada em 2012 inclui um segundo disco que traz demos e outras delícias tipo a versão deles de Alfie, música de Bacharach e David, e Where's the Playground, Susie? de Jimmy Webb (com a voz de Ben Watts liderando, coisa que não acontecia com frequência). MUITO SESSENTA.
Alfie, da trilha do filme de 1966 estrelado por Michael Caine no papel do mulherengo Alfie, seria lançada por Dionne Warwick pela vontade dos compositores. Mas a Paramount preferia uma cantora inglesa. Chamou Sandie Shaw. Ela não quis. A escolhida acabou sendo Cilla Black, na época que ela ainda era agenciada por Brian Epstein. Foi gravada nos estúdios da Abbey Road – onde o EBTG gravou Baby, the Stars Shine Bright. E depois seria regravada por Warwick e Cher.

Depois desse álbum de 1986, o EBTG partiria para o… sophistipop. Sim.

Você quer? Don't You Want Me?

Ah, sim, tem o Human League.
O álbum Dare de 1981 foi um divisor de águas para eles, que começaram como uma banda de eletrônico experimental!

Tudo é MUITO new wave. Mas ouça Open Your Heart, por exemplo. A melodia num crescendo soa bem retrô, e se tivesse uma big band por trás, poderia facilmente ser um hit produzido por Spector. Ela saiu antes do disco, como single, e nessa época os singles do Human League ganhavam selos azul ou vermelho para diferenciar o “estilo musical". Segundo a Susan Ann Sulley, uma das vocalistas, o vermelho era para os posers, os Spandy (fãs de Spandau Ballet, portanto fãs de… SOPHISTIPOP, oh, sim). E o azul, que era o selo do Open Your Heart?
"Para fãs de ABBA", respondeu o líder da banda Phil Oakey para a New Music Express em 1981.

Não sei vocês mas eu sou fã de ABBA.

Bom, e aí saiu o single Don't You Want Me desse álbum, uma música que Oakey considerava uma filler, a faixa mais fraca do álbum, tanto que é a última. HAHAHAHAHAHAHA! Foi o executivo da Virgin Simon Draper que insistiu no lançamento que seria o quarto single desse disco (os outros três foram lançados antes do álbum em si sair). Oakey defende que Don't You Want Me virou um sucesso graças à MTV, que passava o clipe toda hora.

O dueto, o refrão chiclete, o "ôô-ôô", a relação meio Pigmaleão "criador x criatura" encharcada de feminismo quando o textão da mulher entra. É tudo deliciosamente pop sessentista. MAS o visual do clipe é outro, que estava em voga nos anos 1980: new romantic (olha o make de Oakey, que tudo!), bem filme noir portanto anos 1940… que era a década da moda dos anos 1980, mesmo!
Também adoro a metalinguística no roteiro do clipe. A direção é de Steve Barron, um mestre que também cometeu Billie Jean de Michael Jackson em 1983, Africa do Toto em 1982 e Take on Me do A-ha em 1985! Dá um play que vale a pena.

Outra coisa que Susan Ann Sulley e Joanne Catherall, a outra vocalista, fariam pela cultura pop seria o visual retrô delas, construído em brechó. Por falta de grana? Também, mas a sensibilidade fashion delas gritava. Claro que elas não foram as pioneiras: já se fazia isso na cena jovem moderna do Reino Unido em geral. Mas elas divulgaram isso pelo mundo. Via MTV.

A ponte de tudo? Our Lips Are Sealed!

Jane Wiedlin e Terry Hall uniram forças em algum momento de 1980. Quer dizer… uniram os lábios mesmo. Wiedlin diz que eles tiveram uma coisinha rápida na turnê dos The Specials (de Hall) que a The Go-Go's (de Wiedlin) abria nos EUA. Era um caso secreto, pois Hall tinha uma namorada na Inglaterra. Nesse meio tempo, eles compuseram Our Lips Are Sealed, que acabaria saindo em 1981 no disco Beauty and the Beast das Go-Go's.

Enquanto banda de rock de mulheres, o The Go-Go's mantinha fortes laços com os anos 1960. Até demais: elas eram mais clássicas, e apesar de serem consideradas new wave (mais especificamente o começo da new wave, com esse disco Beauty and the Beast), para os meus ouvidos a coisa ainda está bem perto dos poucos acordes do punk e do ska, longe dos teclados e sintetizadores.

Só que Our Lips Are Sealed é muita perfeição pop sessentista. E aí apareceu a regravação de Hall, que já tinha saído do Specials, no trio Fun Boy Three. Esse foi o último hit deles, aliás, em 1983.

A música ficou mais dramática, combina uma certa ingenuidade sessentista com algo mais… O que a deixa, sim, muito mais Shibuya-kei, certo?

Claro que o Shibuya-kei RAIZ em si se aproveita dos avanços da eletrônica na música, e isso caracteriza demais o estilo, com samples e tal. O que eu quis mostrar é que tudo foi uma construção, que essa onda retrô já existia e que a revalorização do climinha lounge music não pintou do nada. Uma coisa que falta em tudo isso que citei e que o Shibuya-kei acrescentou com força no menu é a bossa nova.
Bom, se a gente for contar o Everything But the Girl… OH, WELL. Chega por hoje, vai.

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A mestra da camiseta slogan: Katharine Hamnett

Você não conhece Katharine Hamnett? Ou conhece e não está lembrado?

Musa

das camisetas slogan

Se você fala em camiseta slogan, não tem como desviar de Hamnett. Ela não é necessariamente a primeira a fazê-las - a marca própria da estilista, que é inglesa e formada pela Central Saint Martins, só foi inaugurada em 1979. E só lançou o modelo que virou sua marca registrada em 1983. Ou seja, camisetas hippies pacifistas e punks niilistas (inclusive da minha amada Vivienne Westwood) já existiam.

Mas Hamnett quem popularizou um jeito específico de fazer camiseta slogan: oversize, sempre com uma fonte Helvetica em caixa alta, uma frase simples e direta. Às vezes política, às vezes simplesmente algo para se pensar, como foi o caso na camiseta que George Michael usou no clipe de Wake Me Up Before You Go-Go da dupla que fazia parte, Wham!:

(Gosta de músicas pop perfeitas? Então veja esse post!)

Essa camiseta Choose Life virou um símbolo. Lembra que, anos depois, a primeira fala de um filme que marcou uma geração, Trainspotting (1996), começa com essa mesma frase? Pois é: em 2017 Katharine fez uma parceria-licenciamento com o filme Trainspotting e lançou versões especiais da camiseta. Foram vendidas em lugares específicos, tipo Japão (e aconteceu de eu estar no Japão um pouco depois, portanto sou um feliz proprietário de uma dessas belezinhas).

(A minha é outro modelo, mais próximo do original só que com a frase em laranja, a cor do filme)

Outro momentinho com música e Hamnett virou notícia, e tem a ver com, quem diria, o Rock in Rio.
Foi na apresentação histórica da banda Queen no festival.

Não dá para ver direito mas eu juro que o Roger Taylor está usando uma camiseta igual a que Hamnett veste na primeira foto desse post

(Falou em banir energia nuclear, aliás, tô dentro. Ouça a música portuguesa que protesta contra energia nuclear aqui nesse link.)

Hamnet é foda demais. Ela encontrou com Margareth Thatcher em 1984 vestindo essa singela camisetinha:

Lê-se "58% não quer Pershing", em referência a uma pesquisa sobre base com mísseis Pershing no Reino Unido. Hamnett sempre teve um posicionamento político pacifista, e sempre foi muito vocal sobre o assunto

(Isso me lembra uma coisa muito deliciosa: você sabia que, depois que Thatcher morreu, ofereceram o guarda-roupa dela para o museu Victoria & Albert? E eles, educadamente, recusaram a oferta… Risos! Leia mais sobre o assunto no The Independent! Ai, isso só me faz gostar mais do V&A… <3)

Campanha da marca homônima de Hamnett, que hoje é bem menor do que já foi mas tem ensaiado uma volta maior

Encontro de rainhas

Hamnett & Westwood salvando as abelhas

É importante dizer que Hamnett ficou muito famosa com as camisetas, mas não faz só isso: tem peças variadas. E ela se preocupa com produção mais sustentável.
A seleção de camisetas da marca de Hamnett hoje inclui uma necessária Cancel Brexit:

O mais legal, pelo menos na minha opinião, é que Hamnett nunca se importou com as versões de seu trabalho que aparecem por aí. Parece-me que ela entende que ela inventou uma estética efetiva para passar mensagens via camiseta, mas o que cada um fizer disso tem a ver com democracia e livre expressão. É o caso de Henry Holland, da House of Holland: ele transformou esse tipo de camiseta em piadas fashionistas.

As características específicas da House of Holland: sempre tem um nome famoso de modelo, marca ou estilista; e sempre é uma rima

Bom, eu mesmo estou pensando em dar uma passadinha na Liberty ou em outra loja que venda Katharine Hamnett no fim do ano para ver se compro mais um mimo. Olha essa, que tudo:

Para arrasar nas ruas de Roma

Que tal?

Para finalizar: uma entrevista com Hamnett que saiu faz pouquinho tempo, em setembro, no The Guardian! Vale ler!

“How would you like to be remembered?
I don’t care.”

— Katharine Hamnett na entrevista para o The Guardian

Existe a música pop perfeita?

Há mais de um ano, em maio de 2018, matemáticos da Universidade da Califórnia declararam a descoberta de uma fórmula da música pop perfeita estudando 500.000 top 100 singles do Reino Unido entre janeiro de 1985 e julho de 2015 para determinar quais características eram as mais frequentes.

Muita coisa esquisita, né? Um single que entra nas paradas em 80º e não sai disso é material de estudo para descobrir os segredos de um pop perfeito? Se a universidade fica na Califórnia, por que caralhos eles foram olhar para as paradas do Reino Unido?

Segundo a Dra. Natalia Komarova, alguns segredos são:
. Cantora mulher
. Músicas mais felizes - aquela famosa canção para dar um up no domingo ensolarado
. Músicas dançantes, menos "acústicas”
Ela ainda fala, sobre as letras, que por mais que a quantidade de palavras negativas como kill e hate tenha crescido nas últimas 3 décadas, o público segue preferindo músicas alegres. Chora, Lana del Rey.

Eles ainda afirmam que esse algoritmo descoberto pode prever hits com uma eficácia de 86%.
Bom… De lá para cá, quem chegou ao topo da Billboard na parada de streaming?
Er…

Entre maio e junho, o número 1 na parada de streaming da Billboard foi ocupado por Childish Gambino e sua inteligente e franca This is America. Quando XXXTentacion morreu, sua música Sad! substituiu This is America por duas semanas. Ela foi seguida por músicas do Drake. Ainda tivemos Eminem, Kanye West, Lil Wayne… O fim do ano foi dominado finalmente por uma mulher: Ariana Grande com Thank U Next.

Não diria que Thank U Next é necessariamente feliz, e vocês? Mas sim, é uma letra que reconhece a importância do passado, do aprendizado com cada relacionamento… Afff não acredito que estou analisando a letra de Thank U Next a esse ponto! kkkkkkk

Em 2019, tivemos Halsey com Without Me, a mesma Ariana com 7 Rings inspirada no standart My Favourite Things, Lady Gaga e Bradley Cooper com Shallow, Lizzo com Truth Hurts, Billie Eilish com Bad Guy, Jonas Brothers com Sucker mas quem dominou mesmo foi Lil Nas X com Old Town Road.
A música de Lil Nas X é feliz? Não sei dizer, mas é de festa, é meio revoltinha adolescente, quebrou o recorde anterior de semanas no topo do Hot 100 da Billboard que já foi de Mariah Carey com Boyz II Men (a One Sweet Day, que não é exatamente dançante) e de Luis Fonsi + Daddy Yankee + Justin Bieber (o onipresente spaninglish Despacito, que aprimorou o nosso vocabulário de espanhol ao lado das letras da Shakira, do RBD e de Alejandro Sanz).

Considero Old Town Road, One Sweet Day e Despacito bem diferentes entre si, todas com seus diferenciais maravilhosos. A Old Town Road original dura menos de dois minutos e agora a gente sabe que seu autor é gay, puxa um estilo que vem sendo chamado de country trap (!?), é carismático (basta ver suas redes sociais) e surgiu de redes sociais de Gen Z. Não subestimem o novo candidato a rei do pop, viu?
One Sweet Day é da ultimate diva Mariah Carey com Boyz II Men, portanto mistura certa latinidade possível para a época (1995) com o R&B que estava bombando. Mariah já era veterana. O eterno hit de todo fim de ano All I Want for Christmas is You havia sido lançado um pouco antes, no fim de 1994. E One Sweet Day é uma música de luto, quase um gospel sem sê-lo. Babado.
Despacito, bem… São dois latinos de verdade que falam espanhol de verdade com o principezinho que surgiu do YouTube. Sem Despacito talvez Anitta não teria conquistado esse espaço internacional que vem conquistando. Virou uma gíria que uniu o mundo: se você falasse despacito no fim de 2017 para um canadense, ele ia saber do que você estava falando. Claro que existiram diversos outros artistas latinos para que todo esse sucesso de Despacito fosse possível.
E é tudo música pop. Perfeitas, sim.

Existe entre os gays o mito do pop perfection.
Eles dizem: Born This Way por Lady Gaga? Pop perfection!
Emotion da Carly Rae Jepsen? Pop perfection!
Blackout da Britney Spears? Pop perfection!
(acontece que eles costumam dizer que coisas são pop perfection sem muito critério; brigam entre si por causa disso; "tudo é histórico e nada mais importa além da minha opinião")

Essa é a propaganda do jogo Pop Up Perfection

Mas essa história de perfeição pop sempre nos leva aos Beatles. Ou não. Sei lá, para mim leva!

São várias as músicas deles que para mim se encaixam no que a gente imagina que é pop perfection. Além dessa acima, tem Something, She Loves You, Help, Hey Jude (que eu acho um saco mas enfim)… Lista interminável.
Mas o que Lennon e McCartney consideram pop perfection?
John Lennon e também Pete Townshend (do The Who) já declararam que essa era a música pop perfeita:

Dançante?
Feliz?
Bom, tem vozes femininas.

No caso de Paul, ele já disse que sua música dos Beatles favorita é Here, There and Everywhere.

Mas a sua música favorita de todos os tempos é de outra banda contemporânea dos Beatles. Essa aqui:

E para mim Paul está certo: God Only Knows é total pop perfection.

Mas essas coisas variam. Para a gente, para a ocasião. Tem músicas que eu acho perfeitérrimas e não fazem tanto sucesso - então talvez precisemos rever essa ligação que a gente faz entre paradas e sucesso com a perfeição do pop. É relativo, provavelmente. Depende da sociedade, do momento histórico, das referências culturais em alta.
E falando em God Only Knows, reouvi uma música recentemente que cita essa e que eu acho uma delícia apesar de pouca gente conhecer.

Sabe o Ludov? Antes eles eram os Maybees e a Vanessa Krongold cantava em inglês. Se escreve Maybees mesmo, mas no Spotify estão como The May Bees.

Hum, acho que isso é assunto para outro post.

Já temos um ganhador e ele se chama DRAG RACE UK

Imagina que fizeram uma paródia de RuPaul's Drag Race como se ele fosse um programa da BBC: com drag queens do Reino Unido falando com sotaque e um humor bem, enfim, inglês.
O Drag Race UK, que estreou faz poucos dias, é exatamente o que você imaginou, e isso é maravilhoso.
E isso me deixa muito feliz porque faz algumas temporadas que eu me sinto um idiota tentando reavivar um amor já perdido com o RuPaul's Drag Race americano: acho tudo forçado, bobo, banal; e gostava tanto. Ufa, ainda bem que o Drag Race UK chegou!
(E a RuPaul parece que concorda, ela está rindo muito nesse primeiro episódio!)

Amo todas vocês (até segunda ordem)

Acho que vou dizer destaques cheios de spoilers, com licença. Avisei, tá? SPOILERS.

Como não amar um programa que tem uma drag chamada The Vivienne em homenagem a Vivienne Westwood e logo no primeiro desafio ela usa uma bota Pirate original??? MEU DEUS!!!

The Vivienne, você já é uma das minhas favoritas - mas isso não significa muito porque todas são minhas favoritas

Particularmente acho que Sum Ting Wong devia ter ganhado (apesar da bota Pirate), o look tava bem perfeito e isso é ASIAFOBIA!!! Brinks. Mas juro, ela arrasou mesmo.
O desafio foi maravilhoso: era tipo o da Madonna que elas tinham que se vestir como a Madonna em alguma fase da carreira dela, só que com… a Rainha Elizabeth 2ª!!!

E a Sum Ting Wong foi de SELO! Cara, sério!!! Que perfeita!

Tem uma drag que não é gay, ela tem apenas 19 anos e ela é boa, o que é muito esquisito.
Ela não deixou claro se é hétero ou bissexual, o fato é que ela tem uma namorada.
E sério, a Scaredy Kat é muito boa.

Né não???

Amei várias outras: Vinegar Strokes parece ser um bom coração que a gente vai querer ser amiga; Divina de Campo tem um nome em português (é isso mesmo, Divina de Campo), risada bizarra e looks foda; Crystal deve ser a doida cult da temporada (ou somente doida mesmo).
Estou tristíssimo, a Gothy Kendoll já tinha conquistado meu coração e saiu logo de primeira.
No fundo estou triste porque várias vão sair. Já estou triste antecipadamente! Não quero que ninguém saia!

E Andrew Garfield de jurado no primeiro episódio? Óun!
Assistam!!!

Gothy Kendall, your roar is beautiful

E veja essa entrevista com Gothy Kendoll no site da Entertainment Weekly! <3